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Reconfortante, esta es una historia que emociona.
Emotivo vídeo para reflexionar sobre lo que en realidad debería ser una vida feliz plena juntos a nuestro prójimo.
Una compañía de seguros ha conmovido al mundo con uno de sus anuncios publicitarios. En el comercial muestra a un hombre que ayuda día a día a los que lo rodean sin esperar nada a cambio porque lo que recibe no tiene precio.
Ayuda a su prójimo sin esperar nada a cambio, ¿qué es lo que recibe a cambio?
Lo que recibe son emociones, es testigo de la felicidad, obtiene un entendimiento más profundo, siente el amor, recibe lo que el dinero no puede comprar, un mundo cada vez más hermoso.
La Navidad no es un momento ni una estación, sino un estado de la mente. Valorar la paz y la generosidad y tener merced es comprender el verdadero significado de la Navidad.
Calvin Coolidge
A todos cuantos formáis parte de este rincón, ¡FELIZ NAVIDAD Y PROSPERO AÑO NUEVO!. Os deseo que paséis unas felices fiestas, pero ante todo que este espíritu navideño se extienda a cada uno de vuestros momentos en la vida, así como a todos los días del año.
Se cierra el blog desde el 19 de diciembre de 2013 hasta el 9 de enero de 2014 por vacaciones de NAVIDAD, mientras tanto que los pensamientos fluyan. Se contestará a cualquier comentario que dejéis, pero no se publicará ningún pensamiento hasta la vuelta.
¡FELIZ NAVIDAD A TODOS DE PARTE DEL ADMINISTRADOR DEL BLOG!
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Debéis enseñar a vuestros hijos lo que nosotros hemos enseñado a los nuestros:
Que la Tierra es su madre. Lo que le ocurre a la Tierra también le ocurre a los hijos de la Tierra. Si los hombres escupen en el suelo, se escupen a sí mismos.
Dicho por el Jefe Seattle, en 1895, en una carta dirigida a Washington.
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Michael Gordon Oldfield (nacido el 15 de mayo de 1953) es un músico, compositor, multiinstrumentista y productor británico.
El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre «solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, ‘Danny Boy'». Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto cuando vio al virtuoso guitarrista Bert Weedon: «Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida».
Los Oldfield se convirtieron en una familia ligada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal Mirrors, y en la actualidad continúa en activo.
A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.
«Tenía dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos», decía. «Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra». Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.
Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum «Children of the Sun» en 1968 y el single Two Ships en 1969.
Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el «folk barroco» popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
Tubular Bells
El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper (que se uniría a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos) para crear una discográfica propia. Draper tenía un amplio conocimiento musical, y cuando escuchó las ideas de Mike, las apoyó inmediatamente.
Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas, a las que ahora podía dar un nombre: Tubular Bells aunque en principio se barajasen nombres como Breakfast in Bed (Desayuno en la cama) y Opus One (Opus 1).
Casi se había agotado la paciencia de Mike Oldfield cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Una amplia selección de instrumentos fue llevada al estudio, y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo más de la primera parte del álbum, y el resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. Desde el principio Mike ponía las facilidades que le daba la tecnología de la época al límite para hacer sus grabaciones; muy pronto empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para la inventiva de Newman y Heyworth, que mezclaron aquello todo lo bien que les fue posible en un período limitado de tiempo. El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado, y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike, ya que Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas; esto hacía menos cercana la relación entre productores y artista, pero aun así cada uno de los tres aprendió muchas cosas de sus otros dos compañeros.
Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue interpretada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (percusión) y Mundy Ellis (voces); Newman y Simon Heyworth recibieron crédito como co-productores. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo, «si le pones letra te lo compró por 20.000 $». Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records.
Tubular Bells vio la luz el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era «un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio», con música que «combina lógica con sorpresa, sol con lluvia». «Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado», dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike : «La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms», escribió el productor televisivo Tony Palmer.
Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que, a partir de los 19 años, fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en julio y pronto llegó al primer puesto. Tubular Bells comenzó a venderse masivamente en toda Europa.
En junio de 1973, Tubular Bells se presentó en vivo en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Para esta ocasión, se unieron a Mike los guitarristas Mick Taylor (de The Rolling Stones), Steve Hillage (de Gong), Fred Frith (de Henry Cow) y Ted Speight. También participaron David Bedford, Kevin Ayers y Pierre Moerlen, el percusionista de la vanguardista banda de rock Gong, y que sería uno de los nombres fijos en la plantilla de músicos de Mike durante muchos años. La respuesta del público fue descrita por un periodista del New Musical Express así: «Todo el público se puso de pie y empezó a pedir más. Eso sólo fue una de esas raras y espontáneas muestras de agradecimiento».
Tubular Bells también se editó en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la película de terror El Exorcista.
Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado del todo. En el Reino Unido, se lanzó un single de Tubular Bells con una versión remezclada del álbum en versión «cuadrofónica», un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento.
Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells Quad incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente, y que fue grabado después de The Sailor’s Hornpipe.
Tubular Bells (en español, «Campanas Tubulares») es el primer disco de estudio del compositor y multi-instrumentista Mike Oldfield, lanzado el 25 de mayo de 1973. Olfield habría compuesto la música teniendo 17 años, siendo ésta resultado de diversos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía un tiempo y que le permitieron desarrollar un abanico de ideas bastante diversas que se plasman en esta pieza musical de dos partes.
Originalmente se trataba de una maqueta que el artista ofreció a diversas discográficas sin que existiera un interés inicial de aquellas por editarlo, entre otras cosas por tratarse de una composición muy extensa y sin letras cantadas, a diferencia de como era tendencia en esa época. Sin embargo Oldfield conoció a Richard Branson, quien poseía unas cuantas tiendas de venta de discos a domicilio y pretendía montar una discográfica, la futura Virgin Records ofreciéndole la posibilidad de publicar su trabajo.
La grabación de Tubular Bells se realizó en The Manor, una mansión-estudio (la primera de Inglaterra), donde las grabaciones se hicieron de manera artesanal. Al tratarse de una larga sinfonía a ser ejecutada con una multitud de instrumentos, prácticamente todos ejecutados por Oldfield, existieron dificultades técnicas para grabar todos a la vez, ya que sólo se disponía de ocho canales para grabar las pistas, teniéndose que recurrir a trucos artesanales como el bloqueo del cabezal de borrado en las grabadoras para poder grabar varios instrumentos.
Tubular Bells fue a la vez el primer lanzamiento discográfico de la Virgin y el disco que logró introducir y consolidar la discográfica, siendo uno de sus discos más vendidos. El disco llegó inmediatamente al número uno de las listas de ventas y permaneció en ella durante varios meses. En los primeros años de salir a la venta se registraron cerca de 16 millones de copias vendidas en todo el mundo, mayormente en Europa, y la crítica alabó la calidad y originalidad de la obra. El éxito de este disco fue tal que fue utilizada parte de la música para ser incluida como banda sonora de la película «El Exorcista», lo cual hizo conocido el disco en todo el mundo.
La música de Tubular Bells se desarrolla a través de diferentes ideas que van evolucionando, concatenando o fusionandose a lo largo del disco, combinando diversos matices e instrumentos musicales, generando un clima diverso en cada sección, desde lo misterioso, épico, triste, alegre o nostálgico, culminando en una alegre y rápida melodía ejecutada en guitarra acústica, la cual es un arreglo de un tema tradicional. El éxito sorprendente logrado por Tubular Bells hizo millonario a Oldfield a los veinte años, pero también le significó una situación que terminó abrumando al artista, sumado a problemas personales, como la temprana muerte de su madre, que generó en él un inicial rechazo a la sobreexposición en los medios, una actitud que ha sido característica en él desde entonces
Lo mejor de Tubular Bells
Tubular Bells se compone de dos piezas (Part One, Part Two), en las que son desarrolladas un sinfin de melodías, e introduce ideas tan originales como:
.-Ausencia de voces: Aunque son utilizadas en coros y acompañamientos en varias ocasiones, en todo en disco, de unos 45 minutos de duración, no existe una sola canción con letra propiamente dicha. Lo más parecido es lo que se ha llamado «El Hombre de las Cavernas» .
.-El maestro de ceremonias: Sin duda una de las parte más originales. Se trata de una voz (Vivian Stanshall) que va nombrando uno a uno los instrumentos que intervienen en el disco, mientras que estos se van oyendo y uniendo a la melodía principal en orden. El último instrumento es muy especial: «plus… Tubular Bells!» Vivian Stanshall era un miembro del famoso grupo cómico-musical inglés The Bonzo Dog Doo-Dah Band, que estaba grabando en los mismos estudios en los que Tubular Bells tomaba forma, y se prestó voluntario a poner su voz en esta parte del disco.
.-El hombre de las cavernas (The Piltdown Man): Uno de los momentos más «duros» del disco. Tiene una curiosa historia: en un yacimiento arqueológico se encontró la calavera de un humano con la mandíbula de un simio. Aquello significó una gran revolución, y se creó una enorme polémica. Finalmente se descubrió que aquello no había sido más que una estafa. Oldfield hizo su particular visión de cómo imaginó a aquel monstruo rudo e ignorante en esta sección de la cara B del disco, en la que él mismo pone su voz a su particular «hombre de las cavernas».
Curiosidades
Murmullos
Sobre el minuto 7:41 de la primera parte se pueden escuchar una especie de murmullos, justo antes de la entrada del contrabajo. No se sabe a quién corresponden las voces, lo que dicen y si fue dejado intencionalmente o no.
Tubular Bells reciclado
Cuando TB fue lanzado al mercado, los discos rock eran fabricados con polímeros reciclados de baja calidad a partir de vinilos reciclados. Solo las obras clásicas eran prensadas en vinilos no reciclados. Esto causó gran disgusto a Oldfield y sus productores, que denunciaban una mala calidad de sonido, y no dudaron en quejarse y exigir una fabricación y material de calidad a Virgin Records. Finalmente, Richard Branson aceptó la fabricación de Tubular Bells en material no reciclado.
La famosa campana
La portada de Tubular Bells (hecha por Trevor Key, que también ha trabajado para Peter Gabriel o Phil Collins) está hecha a base de varias fotografías diferentes. En 1973 no se usaban ordenadores, así que el montaje es totalmente artesanal. Las fotografías de la portada y la contraportada fueron hechas en la misma localización. Muy probablemente se trate de las localidades del sur de Inglaterra de Hastings o Eastbourne. Thom Newman sostiene esta teoría, mientras que Mike se inclina a pensar que se trata de Brighton.
La famosa campana tubular representa hoy en día todo un símbolo: es el «símbolo Mike Oldfield». Él mismo lo eligió cuando creó su propia compañía de discos, Oldfield Music LTD. La portada de Tubular Bells ha pasado a la historia de la música, y su nacimiento fue bastante curioso: Oldfield toca este instrumento al final de la primera parte, pero en vez de usar los tradicionales martillos de madera, golpeó las campanas con uno de hierro («Realmente quería un sonido como de campanario de iglesia, un sonido fuerte, así que decidí usar esos martillos de hierro. Golpeé las campanas después de tomar carrerilla por todo el estudio»). Como era de esperar, las campanas se destruyeron, doblándose sobre sí mismas. Esto le hizo a Mike pensar en una forma para la portada. Fue entonces cuando llamaron a Trevor Key, un fotógrafo especialista en objetos metálicos, quien dio forma final a la famosa campana retorcida de Mike Oldfield.
Posible consumo de drogas durante la composición
Se rumorea que en su juventud, Mike consumió drogas alucinógenas durante la composición de Tubular bells, así como otras piezas musicales, esto lo afirman varias personas de su círculo social en la juventud como por ejemplo su novia de por entonces. La droga consumida habría sido el peyote, lo cual habría favorecido positivamente a la composición. Varios críticos musicales han argumentado que los murmullos son fruto de los efectos alucinógenos.
Discografía
.1973 – Tubular Bells
1974 – Hergest Ridge
1975 – Ommadawn
1978 – Incantations
1979 – Platinum
1980 – QE2
1982 – Five Miles Out
1983 – Crises
1984 – Discovery
1987 – Islands
1989 – Earth Moving
1990 – Amarok
1991 – Heaven’s Open
1992 – Tubular Bells II
1994 – The Songs of Distant Earth
1996 – Voyager
1998 – Tubular Bells III
1999 – Guitars
1999 – The Millennium Bell
2002 – Tr3s Lunas
2003 – Tubular Bells 2003
2005 – Light & Shade
2007 – Music Of The Spheres
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The Wall (El Muro) es el undécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Ezrin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Fue lanzado el 30 de noviembre del mismo año en el Reino Unido y el 8 de diciembre en los Estados Unidos.
Este disco doble es un álbum conceptual que nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada «Pink», basado en las vivencias del mismo Waters, convirtiéndolo así en una especie de álter ego antihéroe.
Descrito por Roger Waters, Pink se reprime debido a los traumas que la vida le va deparando: la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controvertido uso de drogas sumado a su asma, etc., son convertidos por él en «ladrillos de un muro» que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.
Es señalada por la crítica musical y seguidores del grupo como «uno de los mejores trabajos de la banda» y «uno de los mejores en la historia del rock», cuya atmósfera morbosa y depresiva ha inspirado a muchos otros músicos. Del mismo modo fue un inmenso éxito comercial mundial acreditándose discos de platino en más de veintitrés ocasiones, situándolo como el disco más vendido en los años 70s y en el tercer lugar de los discos más vendidos de todos los tiempos.
El Principio
La idea le surgió a Roger Waters cuando en un concierto de la gira de Animals en Montreal, (denominada Pink Floyd-In The Flesh), el comportamiento agresivo de un fan de primera fila condujo a Waters a escupirle en la cara. Inmediatamente disgustado consigo mismo y con lo que llegaban a ser algunos megaconciertos, Waters comenzó a fantasear con la idea de construir un muro entre el escenario y la audiencia, lo que llevó posteriormente a la concepción del álbum. Hay que comprender que Pink Floyd siempre abordaba sus espectáculos para que lo principal fuera lo visual y lo sonoro, dejando normalmente al grupo en un segundo plano en la penumbra del escenario. Así, sobre todo, Waters sentía rechazo por la alienación que percibía entre los fans con los grandes grupos y superestrellas del rock, (de hecho, en su carrera posterior en solitario solía rehuir los grandes espacios) y esta semilla está en la concepción de The Wall y forma parte expresa de la historia en los temas “In The Flesh” y “Young Lust”. A esta idea se le añadieron otros «ladrillos» como la guerra, la sobreprotección materna, el fracaso sentimental, la violencia policial, la educación infantil o la locura (Syd Barrett -fundador del grupo- dejó el grupo por ella), llegando a construir el esqueleto conceptual del muro (the wall). Por consiguiente, el concepto y la mayoría de temas del álbum son obra de Roger Waters.
Trama
La historia nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada “Pink”, que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (Another Brick in The Wall Parte 1 y 3) en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados, la sobreprotección materna (Mother), la opresión de la educación británica (Another Brick In The Wall Parte 2), los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etc., son convertidos por él en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.
Durante un intento de suicidio con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo radicalmente opuesto a lo que “Pink” siente y es, señalando el punto sin retorno a la locura, pero que finalmente “Pink” no quiere traspasar. Finalmente se celebra «un juicio» ficticio y simbólico contra “Pink”, que termina con la condena de derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en una liberación final que permite a “Pink” volver a “fluir” y vivir otra vez.
Después de que Roger Waters abandonara Pink Floyd en 1985, se entabló con David Gilmour y Nick Mason una disputa legal acerca de los derechos sobre la marca “Pink Floyd” y todo su material producido hasta la fecha, y que terminó dando a Gilmour y Mason los derechos sobre la marca y la mayoría de la obra, pero que dejó a Waters los derechos sobre The Wall y el resto de sus composiciones para Pink Floyd.
Lista de Canciones
1.In the Flesh? (Roger Waters)
2.The Thin Ice (Roger Waters y David Gilmour)
3.Another Brick in the Wall pt. 1 Roger Waters
4.The Happiest Days of Our Lives Roger Waters
5.Another Brick in the Wall pt. 2 (Roger Waters)
6.Mother (Roger Waters & David Gilmour)
7.Goodbye Blue Sky (David Gilmour y Roger Waters)
8.Empty Spaces / What Shall We Do Now? (Roger Waters y David Gilmour)
9.Young Lust David Gilmour y Roger Waters
10.Oh My God – What a Fabulous Room (Christine Hargreaves)
11.One of My Turns (Roger Waters)Roger Waters
12.Don’t Leave Me Now Roger Waters
13.Another Brick in the Wall pt. 3 Roger Waters
14.Goodbye Cruel World Roger Waters
15.Hey You (Roger Waters and David Gilmour)
16.Is There Anybody Out There? Roger Waters
17.Nobody Home Roger Waters
18.Vera Roger Waters
19.Bring the Boys Back Home Roger Waters
20.Comfortably Numb (Roger Waters y David Gilmour)
21.The Show Must Go On (Roger Waters y David Gilmour)
22.In the Flesh Roger Waters
23.Run Like Hell (Roger Waters y David Gilmour)
24.Waiting for the Worms (Roger Waters y David Gilmour)
25.Stop (Roger Waters
26.The Trial Roger Waters
27.Outside The Wall Roger Waters
El Concierto en Berlín
Roger Waters en solitario organizó el gigantesco concierto “The Wall Live in Berlin”,con más de 100 tráilers de equipo, en Berlín, Alemania, el 21 de julio de 1990, con varios famosos músicos, incluyendo a Van Morrison, Sinéad O’Connor, Cyndi Lauper, Scorpions, Jerry Hall y Bryan Adams, entre otros, para conmemorar la caída del Muro de Berlín y para posibilitar la creación de una fundación World War Memorial Fund for Disaster Relief contra las guerras y sus consecuencias. Actualmente en sus giras, toca alguna de las canciones.
Finalmente el 12 de Abril de 2010 se confirmó oficialmente el lanzamiento de la Gira The Wall Live 2010 – 2012, con más de 70 fechas confirmadas en México, Estados Unidos, Canadá y Europa, comenzando a partir del 15 de Septiembre de 2010 en Toronto, Canadá.
Se confirmó la visita de la Gira por Latinoamérica y Asia. Es considerada una de las giras más grandes de todos los tiempos y sus conciertos los de mayor magnitud del mundo. En marzo de 2012 la gira por sudamérica comienza en Chile el 02 y 03 de marzo en Santiago, sigue en Buenos Aires (Argentina) con 9 recitales (07, 09, 10, 12, 14, 15, 17, 18 y 20 de marzo); Brasil en Porto Alegre (17 de marzo), Sao Paulo (22 y 23) y Río de Janeiro (25).
Película
La versión de cine de The Wall se filmó en 1982 por la Metro-Goldwyn-Mayer bajo el título de Pink Floyd The Wall, con Alan Parker como director y Bob Geldof (el líder de los Boomtown Rats) como «Pink».
También participaron en escenas Bob Hoskins y la joven Joanne Whalley. La película sigue de cerca la estructura musical del álbum, con algunas pocas modificaciones, pero cuenta con una intriga específica y narrativa
El guion fue escrito por el vocalista y bajista de Pink Floyd, Roger Waters. La película es altamente metafórica y rica en simbolismo y sonido. Presenta pocos diálogos y es conducida principalmente por la música de Pink Floyd.
La película contiene 15 minutos de elaboradas secuencias de animación creadas por el ilustrador Gerald Scarfe y Roger Waters que son un elemento asimismo clave de la obra y parte de las cuales describe una pesadilla basada en los bombardeos alemanes sobre Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial. También aparecen referencias a la esposa del protagonista y a su vida en general.
Teatro
En 2004 se anunció la firma de un contrato para producir un musical en Broadway basado en The Wall, y que incluiría nuevos temas y arreglos del propio Waters. Sin embargo, se desconoce todavía que ocurrirá con las canciones en cuya composición participó David Gilmour (“Young Lust”, “Run Like Hell” y “Comfortably Numb”), así como la fecha de su estreno (si es que realmente se lleva a cabo el proyecto).
Reconstruyendo El Muro
En 2001 Luther Wright and the Wrongs versionan el álbum estilo Bluegrass titulándolo Rebuild the Wall.
En 2007 se publica una versión de «The Wall» reinterpretada por grandes grupos de rock de todos los tiempos en homenaje a Roger Waters y su grupo. Participan artistas de la talla de Jethro Tull, King Crimson, The Doors, Deep Purple, Gentle Giant, Yes, Asia, Styx, ELP, The Cars, Toto, Montrose y muchos más. El disco está editado por «Phantom Records» y se titula «Re-building The Wall. A tribute to Pink Floyd».
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El zazen es una práctica del cuerpo y el espíritu que despierta nuestra fuerza vital, equilibra nuestras funciones cerebrales y sistema nervioso, al tiempo que armoniza al hombre con la naturaleza.
La esencia de la meditación zazen está en llevar al practicante a vivir en el momento presente, el «aquí y ahora». Algo sumamente difícil en una sociedad como la nuestra en la que las personas viven embargadas por el miedo y la ansiedad ante el futuro, proyectando continuamente sus deseos de obtener más dinero, más amor, más belleza, más salud, más placer, más de todo. Y sin darse cuenta de que así sólo consiguen el efecto contrario: acumular estrés y perder su fuerza vital.
En un mundo como el nuestro, la meditación zazen, cuyos efectos más inmediatos son la quietud y el silencio interior, parece sacada de un cuento de ciencia-ficción y sin embargo precisamente porque estamos perdidos en una sociedad de vértigo consumista, la paz interna se antoja cada vez más necesaria para la salud de cuerpo y mente.
LA POSTURA DE BUDA
Nacida hace veinticinco siglos en el seno del budismo mahayana, este tipo de meditación no es una doctrina ni una filosofía. No consiste en una teoría, ni en un conocimiento intelectual, sino en la práctica de la postura en la que el Buda Sakya-muni alcanzó el despertar o iluminación (satori).
Buda no pretendía crear una nueva religión, si no hallar la forma en que el ser humano se liberara del sufrimiento y del dolor. Y, en su búsqueda, lo que encontró fue una posición, un modo de concentración y de respiración que llevan al vacío interior equilibrando cuerpo y espíritu. Por eso se dice del zazen que es una especie de medicina para las enfermedades de la naturaleza humana.
La palabra zazen significa por una parte «comprender la esencia del universo» (zen) y por otra, «sentarse sin moverse, como una montaña» (za). Para ejercitarse en este tipo de meditación los practicantes suelen sentarse frente a una pared y sobre un cojín redondo y duro llamado zafu, con las piernas cruzadas en la postura del loto o del semiloto. La pelvis ha de bascularse hacia adelante, de modo que las rodillas se apoyen en el suelo. La columna vertebral recta y la nuca estirada, la parte superior del cráneo empujando hacia el cielo y los hombros relajados.
Los ojos han de estar entornados, y la mirada ha de dirigirse hacia el suelo, mientras que la barbilla ha de estar recogida hacia el cuello y la lengua apretada contra el paladar. Las manos, con las palmas hacia arriba, se colocan sobre el regazo, en contacto con el abdomen, la izquierda sobre la derecha, los pulgares tocándose ligeramente por las yemas. Para empezar una sesión normal no suele durar más de una hora.
RESPIRACIÓN CONSCIENTE
La respiración es importante. Ha de ser tranquila y lenta, al tiempo que potente y natural. La inspiración ha de ser corta y normal, mientras que la espiración ha de ser larga y profunda. El practicante ha de tratar simplemente de ser consciente de su respiración sin forzarla ni pensar en ella. La postura en el zazen implica esfuerzo y dolor, sobre todo al principio, pero si se realiza de forma correcta la energía circula por todo el cuerpo incluidos determinados órganos que, a menudo y sin que seamos conscientes, permanecen bloqueados.
Tiene además incontables beneficios fisiológicos ya que las funciones cardíaca y respiratoria se regularizan gracias a la respiración y las ondas cerebrales entran en un ritmo alfa lento y zeta que reduce el estrés completamente. No menos importante es que con la práctica del zazen el estudiante acaba hallando el equilibrio de sus funciones cerebrales y la intuición y la creatividad se manifiestan libremente.
Por último al respirar de forma lenta y profunda los pensamientos confusos y personales desaparecen de la mente como las nubes desaparecen en un cielo claro. Es entonces cuando hay espacio y oportunidad para que surja el silencio interior y el espíritu se manifieste o, lo que es igual, para que la persona pueda regresar a su naturaleza original más allá de los deseos y apegos personales que le hacen sufrir y que por el sólo hecho de existir ha generado.
Cuando la postura y la respiración son correctas el practicante alcanza a atisbar en su interior la unidad con la conciencia cósmica. Se produce así una revolución interna que es difícil si no imposible describir con palabras pero que es palpable en todos los aspectos de la vida cotidiana. Ésta se vuelve más apacible y plena, la persona logra vivir el momento presente sin preocuparse por el pasado o el futuro, sin ansiedad ni miedo, sencillamente dejándose guiar por la infinita sabiduría del universo.
Música que nos invita a la meditación, nos lleva directamente a nuestro centro, que busca el contacto con nuestro ser.
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EL Candil de los Pensamientos 